Licorice Pizza de Paul Thomas Anderson

On sort de ce nouveau film de Paul Thomas Anderson un peu perplexe. C'est quoi le projet ? Un teen movie sur les amours contrariées de deux jeunes gens ? Ou une sorte de film expérimental (enfin...beaucoup moins qu' Inherent Vice ) visant à exploser un genre tant aimé aux States? Un peu des deux sans doute avec son lot d'incompréhension, de moments sympas et d'évaluation dans sa tête sur la possibilité que tout cela se termine bientôt. 

Contrairement à l'habitude, "Licorize Pizza" ne va pas s'attarder sur les poussées  hormonales de ses héros, même si ceux-ci ont une libido qui les travaille, ni sur ces éternelles rivalités de groupes de collégiens ou de lycéens mais s'ingénier plutôt à leur balancer dans les pattes d'autres personnages décalés, déjantés, un poil étranges tout en jouant sur certaines clichés de la culture étasunienne ( la réussite entrepreneuriale notamment) ou de films d'action en voiture ici détournés en version solo et à reculons. 

Au crédit du film, en plus de son évidente originalité dans la narration, on peut également apprécier l'audace de mettre à l'écran deux jeunes ( bons) acteurs au physique sortant un peu des normes habituelles. Cependant, cette geste cinématographique peut engendrer incompréhension voire ennui tant la mise en scène semble partir dans tous les sens, d'une façon qui apparaît incohérente au spectateur lambda. En sautant presque du coq à l'âne, en multipliant les situations assez absurdes ( cocasses peut être), l'histoire ( mais y en a-t-il une?) se dilue dans un trop plein de musique et de bifurcations abruptes. On peut adhérer à cet univers hors des conventions et malgré très sage en terme de propositions et de mise en scène...ou pas.

Twist à Bamako de Robert Guédiguian

Après ses deux derniers films sombres, assez nocturnes, cette plongée dans le Bamako de 1962, sans être rigolote pour autant, permet à Robert Guédiguian de continuer de creuser son sillon de cinéaste ancré à gauche tout en se renouvelant sous un chaud soleil africain. 

Le contexte historique est fort. Après le départ des français, le Mali s'est essayé au communisme. Belle idée sur le papier que de jeunes dirigeants pensaient pouvoir mettre en pratique avec une certaine naïveté. Et dans ce mouvement, la jeunesse ne rêve qu'à s'enflammer, se distraire au rythme de ces musiques nouvelles, le twist donc... 

Le lourd chemin pour arriver à instaurer le communisme au sein de communautés peu préparées à recevoir ces idéologies ( surtout après des décennies de colonisation), certes un poil didactique, ne constitue toutefois pas l'essentiel de l'histoire. Robert Guédiguian sait que pour alléger son propos infiniment politique ( et ouvrant toujours pistes de réflexion et débats), il faut toujours une histoire d'amour. Ici, elle est incarnée par un bel amour impossible entre un fils d'un riche commerçant de Bamako et une fille de province, hélas mariée de force dans son village. Ils sont beaux, sympathiques et, tout en dansant le twist, ils vont être à la fois les figures sacrificielles d'un régime qui part à la dérive  comme  un pont vers nous spectateurs de 2022, qui continuons à lutter contre pas mal de racismes, de traditions, de violences et de préjugés. Ils sont les figures solaires de ce film lui aussi baigné par une belle lumière et les deux acteurs les incarnant sont absolument parfaits, Stéphane Bak confirmant que son talent très varié devient indispensable au cinéma français  et talentueux du moment et Alice da Luz une révélation. 

"Twist à Bamako" vous fera revoir un bout de l'histoire africaine, ressentir combien il est difficile de changer les choses politiquement et cultuellement mais aussi taper du pied et vous trémousser sur votre siège. Politique et musique font bon ménage dans ce film aussi plaisant que pertinent. 

 

Les Sirènes d'Es Vedra de Tom Charbit

L'Ardèche hors saison et une sorte de David Guetta se mettant au vert pour cause de début de surdité et d'acouphènes intempestifs forment le duo improbable de ce roman. Le DJ se prénomme Juan, jouit d'une petite quarantaine sans trop de scrupules vis à vis de l'argent ( les comptes en banque sont pleins car les sets à Ibiza ou dans tous les lieux branchés de la planète lui ont rapporté un max) et profite d'une sexualité joyeuse avec quelques beautés locales, insensibles à sa célébrité ( donc sans doute aimantées par son charme qui n'est jamais décrit dans le roman, ni réellement ressenti par le lecteur). Encore un livre branchouille pourrait-on penser à première vue, sauf que ce premier opus de Tom Charbit séduit d'emblée par une certaine nonchalance dans l'histoire qui ne sort jamais trop d'une certaine banalité mais qui aime à mêler amour d'une région ( longuement décrite sous tous ses aspects) prétexte à des digressions assez pêchues sur nos vies dans une société amoureuse de fric et de performance. Tout y passe ( ou presque) de la mondialisation à la maternité, du tourisme de masse à l'écologie. Au départ on pense à une resucée de Vernon Subutex de Despentes ( en mieux, car, faut l'avouer, la trilogie est loin d'être ses meilleurs écrits) qui aurait été un peu squatté par Houellebecq.

Assez nonchalamment, le roman avance de façon agréable, car jouissant d'une jolie écriture. On prend plaisir à ce séjour ardéchois qui se moque un peu de faire du grand romanesque avec de grands sentiments ( avec, quand même, un dernier tiers qui va s'y employer avec émotion), préférant se payer avec une certaine noirceur les nombreux travers de nos sociétés. Ainsi, sur le petit monde du livre, Tom Charbit fait dire à son narrateur : " Je vais arrêter de demander conseil à la libraire du village d'à côté, à chaque fois elle s'emballe pour un bouquin en me disant que c'est génial, alors qu'en fait c'est juste ce qui est sorti de mieux au cours des deux derniers mois.... Tu vois, au fond, je suis sûr qu'elle est convaincue d'être une passionnée de littérature alors qu'elle n'est qu'un petit soldat au service d'une énorme industrie. Quand j'étais DJ, moi aussi je passais mon temps à m'extasier sur des nouveautés qui si on les écoutait avec un poil de recul n'avaient en réalité strictement aucun intérêt." Alors, à l'aune de cette semonce bien pensée de l'auteur, disons donc que "Les Sirènes d'Es Vedra" se lit facilement, agréablement, n'enthousiasmera pas les grands amateurs de belles histoires  bien cousues ( très souvent de fils blancs) mais plaira à ceux qui aime toutefois être accompagnés par un joli style et de nombreux coups de griffes bien sentis ( peut être dérangeants). C'est déjà pas mal du tout, pas encore un grand roman, mais certainement mieux que "Anéantir" dont on nous rebat les oreilles ( grand auteur avec gros contrat oblige). 

Merci à BABELIO pour cette lecture en avant-première. 

En attendant Bojangles de Régis Roinsard

Adapter un roman à succès est toujours un peu casse-gueule, tant la déception peut être forte auprès de tous les lecteurs qui se sont projetés dans une oeuvre de papier avec passion.  Pour porter à l'écran le roman d'Olivier Bourdeaut les producteurs ont mis le paquet. Un couple de comédiens stars , Virginie Efira et Romain Duris, des décors somptueux, des costumes en veux-tu en voilà. Tout pour donner au film un côté superproduction... Sauf, que le résultat laisse un peu de marbre. 

Le plus difficile dans cette adaptation, c'est de rendre à la fois attachante et palpable la folie de ce couple, qui vit en dehors des contraintes de la société, qui fait la fête, danse, boit du champagne, se moque de l'argent. Si tous ces éléments ( et bien d'autres) sont à l'écran, la mise en scène, sans doute anéantie, alourdie, par autant de contraintes à mettre à l'écran, n'arrive jamais à rendre ce côté totalement barré de la vie des personnages, se contentant de filmer assez platement un univers trop factice. Il manque beaucoup de folie dans la réalisation. Les acteurs ont beau jouer leur partition avec conviction, l'alchimie n'a pas l'air formidable entre eux et le petit garçon ( le fruit de leur union ) qui racontait l'histoire dans le roman, est le symbole du manque de parti-pris du film, qui hésite constamment entre son regard et celui d'un narrateur omniscient. 

Alors, on contemple cela comme un joli livre d'images vaguement foldingues, avec  des acteurs qui font ce qu'ils peuvent pour donner de la chair, de la folie à un ensemble qui en manque beaucoup trop. Toutefois, bravo à la marionnettiste qui anime Mlle Superfétatoire ( la grue domestique du couple), on croit réellement à sa présence vivante à l'écran. Alors, si vous aimez les oiseaux, allez-y, sinon... passez votre chemin, c'est raté!

 

De son vivant de Emmanuelle Bercot

 

Emmanuelle Bercot a, jusqu’à présent, une filmographie plutôt intéressante. Force est de constater que son nouveau film se logera dans la case « film raté » et vite oubliable.

Reconnaissons à la réalisatrice de s’attaquer avec beaucoup d’empathie à un sujet pas facile et certainement pas vraiment attrayant pour le spectateur : la fin de vie, ici d’un quarantenaire. Elle essaie d’y mettre autant de sensibilité que de bienveillance mais un scénario plus que bancal et bourré de ficelles parfois ineptes, ôte tout pouvoir émotionnel aux spectateurs ( ou alors aveugles aux grosses ficelles, ça existe!)

Tout d’abord, il y a eu cette idée de mettre en avant les techniques pleine d’empathie du professeur Sara ( dans son propre rôle), pas bien originales ( sauf peut être dans leur partie musicale ) mais totalement anéanties par la présence de son assistante infirmière ( et Cécile de France n’est pas en cause, elle fait ce qu’elle peut la pauvre), qui n’a l’air de rien foutre de sa journée, sorte de potiche que la réalisatrice place  dans le décor à regarder voler les mouches ( dans un hôpital, on a du mal à y croire) et qui, encore plus improbable, tombe  amoureuse de son patient ( certes Benoît Magimel), ce qui semble être la seule activité que lui offre les scénaristes. A cela, se greffent deux ou trois sous intrigues assez banales qui alourdissent le propos. Si Benoît Magimel est très bien dans son rôle ( mais est ce le même acteur vu la semaine dernière dans «  Amants ?) Catherine Deneuve, erre de chambre en couloirs, la lippe boudeuse pour signifier qu’elle souffre et dont le prénom de Cristal lui va aussi bien que les horribles chemisiers qu’une costumière démoniaque l’a affublée. Emmanuelle Bercot joue de la caméra parfois avec brio pour éviter de tomber dans l’émotion facile tout en cherchant quand même à alléger le propos avec des scènes drôles ou pittoresques mais qu’on a du mal à penser possibles dans un hôpital ou parfois pas crédibles comme celle, certes charmante du vieux monsieur qui danse et joue des maracas mais pas raccord avec le reste du film ( Benoit Magimel pour les besoins de la scène a un voisin de lit alors que tout le reste du film il est en chambre individuelle) . Ah j'oubliais ! Le pompon ! On entend Catherine Deneuve dire qu'elle a été obligée de casser son PEL pour payer les frais d'hospitalisation, réplique un peu risible dans la bouche de notre star mais surtout plus qu'inepte puisque, la caméra n'arrête pas de bien signifier que nous sommes dans un hôpital public ( donc pas dans une clinique huppée pour stars ou peu nécessiteux). A cela se rajoute un plan de cette mère, sensée tirée le diable par la queue, effondrée dans un magnifique salon dont une immense baie vitrée révèle une somptueuse piscine gracieusement éclairée. 

Entre grosses facilités scénaristiques pour rendre le film pas trop sombre et surtout étoffer l’intrigue dont on connaît forcément l’issue, «  De son vivant » rate sa cible et plonge dans le gnangnan complètement hors sol.  

 

A Good Man de Marie-Castille Mention-Schaar

Aude et Benjamin vivent en couple, s'aiment et désirent un enfant. Fatalité ! Aude est stérile. Ce sera donc Benjamin son mari, en pleine transition, qui portera l'enfant. Sur un pareil postulat, le film pourrait partir fournir un prétexte  à un futur débat télévisé sur un fait de société ou prendre un parti-pris plus militant pour lutter contre la transphobie. Marie-Castille Mention-Schaar choisit une voie à la fois plus douce et sans doute moins évidente : raconter une histoire de couple qui désire concrétiser leur amour en mettant au monde un enfant. Banaliser un récit peu habituel en somme. Du coup, les militants LGBTQ+ lui tombent à bras raccourci dessus parce que lissant quasi totalement les discriminations que subissent les personnes trans en situant le film dans une petite île bretonne et surtout parce qu'ayant donné le rôle masculin à une comédienne cis ... polémique un peu idiote, car c'est bien le job des acteurs de pouvoir tout jouer, comme d'ailleurs le comédien trans Jonas Ben Ahmed qui joue, dans le film, un rôle cis ( j'espère que vous suivez).

"A Good Man" narre donc le parcours émotionnel de ce couple dans son désir d'enfant, entre eux et avec leur famille évidemment pas toujours dans l'empathie. Le film déroule donc une trame classique, voire banale pour une histoire qui ne l'est pas encore, sans grands effets scénaristiques, préférant parfois tomber dans le lacrymal de bon ton. Si l'ensemble fonctionne et émeut, c'est en très grande partie grâce aux deux comédiennes, Soko, débarrassée de son image d'actrice branchée, convainc totalement avec son humanité à fleur de peau et surtout Noémie Merlant, absolument bluffante dans le rôle de Benjamin, qui prouve une fois de plus son immense talent mais qui cette fois-ci se pose comme sans doute la comédienne tout-terrain qui brillera bientôt au firmament du cinéma français.

Rien que pour ce duo d'actrices  on doit aller voir "A Good Man" , peut être un peu trop planplan dans sa forme mais qui a le mérite d'aborder un sujet original qui ne peut que questionner le spectateur. 

Aline de Valérie Lemercier

 

Saoulés par la présence envahissante de Valérie Lemercier venue dans tous les médias défendre ce qui paraît être une des plus grosses productions françaises de l'année, vous vous dites que cette fois-ci vous ne vous ferez pas avoir par cette promo infernale, car après tout Céline Dion, ce n'est pas votre came. Nous sommes en novembre, mois d'une tristesse absolue et il serait idiot de bouder ce film grand spectacle de plus de deux heures, avec de la musique, des paillettes, de l'humour, de la passion et qui passe en un éclair. 

Aline, c'est Valérie Lemercier, chanteuse québécoise devenant, grâce à l'amour de son manager beaucoup plus âgé, une star internationale. Doublée au niveau chant par Victoria Sio, on reconnaît quelques chansons qui font désormais partie du patrimoine culturel de la variété francophone et puis cette destinée, ces  anecdotes nous disent quelque chose... peut être grâce au Paris Match feuilleté chez le coiffeur. 

Rien de bien emballant me direz-vous, ce biopic semble ressembler à mille autres. C'est sans compter avec le dynamisme, la folie, le talent de la réalisatrice, scénariste, comédienne Valérie Lemercier. Parce qu'au-delà de cette évocation d'une chanteuse canadienne, il y a la performance d'actrice, méli-mélo de deux personnalités au parcours pas si dissemblable, mais à l'écran bluffant, et une narration se déroulant sur plusieurs décennies qui coule sans aucune aspérité et sans ennuyer une seule seconde. 

Sans être un chef d'oeuvre absolu, mais sans doute le meilleur film de Valérie Lemercier, "Aline" répond parfaitement, et avec talent, aux canons du grand film populaire, bien fait, joliment tendre et humoristique, qui ne tombe jamais dans les clichés facile. Du grand et du bon divertissement !

Compartiment n°6 de

Ce voyage en train en Russie d'une finlandaise curieuse de peintures rupestres déroule une intrigue assez lente, plutôt sympa mais prévisible et surtout coche toutes les cases du film de festival qui veut être primé ( et réussit à l'être, Grand prix à Cannes). Toutes ? Vraiment ? Pas certain ...

"Compartiment n°6" se déroule comme on peut le comprendre à bord d'un train allant de Moscou à Mourmansk ( proche de la frontière finlandaise). Voyage exotique pour nous et qui consolide tous les clichés que l'on a sur la Russie. On aura donc droit aux litres d'alcool ingurgités, aux gros cornichons en pot, à la babouchka, à la solide contrôleuse peu aimable ( mais incorruptible), au caviar et même au mauvais champagne ( sans doute local). Pas certain que l'office de tourisme russe ait sponsorisé le film car, un grain d'image assez prononcé renforce le côté triste voire sinistre et sale du pays. 

Cependant, se déroule une histoire vieille comme le monde : ils n'ont rien en commun, le premier regard échangé confirmera qu'ils se détestent d'emblée mais, apprendront à se découvrir petit à petit à s'apprivoiser, à s'aimer ( ai-je vraiment spoilé la fin de ce film si prévisible?). Le film prend donc les rails d'une histoire humaniste, alliant rapprochement des classes sociales et beauté de la naissance d'un amour. C'est filmé presque comme un documentaire mais avec de jolies scènes de comédie attrapant des moments d'une grande sensibilité où l'on peut lire sur les visages les petits changements en train de s'opérer dans la tête des protagonistes. Ce n'est pas novateur, ni original, mais peut toucher par moments.

Revers de la médaille, le film n'avance pas très vite, sans doute au rythme de ce train qui s'arrête très longuement dans les gares desservies. Et du coup on a le temps de laisser l'esprit gamberger et de ce demander si ce film, dans lequel le ministère de la culture russe a injecté quelques sous, n'est pas, insidieusement, un film de propagande, une sorte de double thérapie de conversion qui ne dit pas son nom. La lesbienne européenne ramenée dans le droit chemin sexuel et politique par un rude, courageux et viril russe ... Et ce n'est pas la dernière scène, à double , voire triple, lecture qui permet d'effacer ce doute... 

Alors "Voyage, Voyage" (  Desireless, décidément une chanson que l'on retrouve beaucoup dans les B O des films en ce moment ) mais dans quel pays ? Celui des films arts et essais formatés assez moches et lents pour plaire aux jurys esthètes des festivals ? Ou celui d'un pays essayant de préserver des archaïsmes d'un autre âge ? "Compartiment n°6" balance entre les deux et c'est dommage. 

Les Olympiades de Jacques Audiard

 

Si l'on compare ce nouvel film avec les précédentes productions de Jacques Audiard, il n'a rien à voir avec le côté viriliste des "Frères Sister" et du plus dérangeant et équivoque "Dheepan". Cette immersion au coeur du 13 ème arrondissement et surtout dans la vie de quatre trentenaires dont trois jeunes femmes, montre un côté plus sensible et bien plus sympathique du réalisateur. 

Avec un noir et blanc magnifique ( mais a-t-on déjà vu un film récent avec un noir et blanc moche ou quelconque ?) et son habituelle virtuosité de mise en scène, Jacques Audiard parvient, sans doute aidé par  ses deux scénaristes Céline Sciamma et Léa Mysius, à saisir le quotidien d'une génération nourrie aux raisons sociaux, au questionnement sur la société et les traditions et au désenchantement. Sans jamais appuyer les effets, il parvient à brosser les errances et les interrogations d'une jeunesse qui refuse certains codes et navigue au gré de ses envies avec cette fluidité désormais acquise par beaucoup. Noémie Merlant et Jenny Beth, parfaites et même plus comme habituellement, sont accompagnées par deux vraies révélations Lucie Zhang, tour à tour franchement agaçante ou émouvante, jouant constamment au grand écart que ce soit avec ses amours qu'avec les traditions familiales et Makita Samba, magnifique et magnétique, lui aussi essayant de se libérer à sa façon des carcans de l'Education Nationale ou de sa famille. Tous s'essaient à éviter cette solitude urbaine qui pourrait les anéantir. 

On ressort du film les yeux éblouis par ces images, les oreilles enchantées des nappes musicales de Rone et la tête pleine de questions, de réflexions, réveillées par un film qui suggère énormément.  et laisse beaucoup de place au spectateur. Du Jacques  Audiard de cette trempe, j'en redemande ! 

 

The French Dispatch de Wes Anderson

 Wes Anderson est un grand réalisateur, qui plaît et qui n'a aucun problème pour produire ses films. Il a un univers singulier, pas mal tourné vers le passé, transcendé par une virtuosité sans égale niveau mise en images. "The French Dispatch" pourrait être un sommet cinématographique sauf que la machine, très bien huilée, tourne au final un peu à vide.

Côté intentions, le panier est plein. Il a voulu recréé, en version cinéma, les articles d'un journal style "The NewYorker" et au-delà porter très haut un genre souvent mal fichu : le film à sketches. Là dedans, il s'est piqué d'y introduire une foultitude de stars ( les habituelles Owen Wilson, Tilda Swinton, Bill Murray, ... et un tas d'autres) tout en faisant ce qu'il avait envie niveau format, décors, genre, narration, couleurs, noir et blanc. Comme si cela ne suffisait pas, il a voulu rendre un hommage appuyé au cinéma, français principalement, en multipliant les références  ( Tati, Duvivier, Godard, ...) ainsi que d'introduire quelques pensées bien de notre époque ( sur les révoltes adolescentes, sur les violences policières, sur le monde de l'art, ...). 

A l'écran, même si on a du mal à savoir où poser l'oeil tellement tout est foisonnant, on est épaté par tant d'inventivité, de folie maîtrisée. Ca rappelle "Grand Budapest Hôtel" mais version plus plus. Sauf que cette épate  dure en gros vingt minutes. Passé ce cap, on commence à saturer, on se prend à regretter de ne pas pouvoir déguster mieux une image avec sans doute plein de clins d'oeil. Le montage ultra rapide ne nous laisse même pas le temps de reconnaître, certes malicieusement grimés, certains acteurs ( Ah, y'avait Cécile de France? Pas vu !). Du coup, on essaie de passer outre cette hystérie visuelle, on se concentre sur les histoires contées et l'on s'aperçoit bien vite qu'au-delà des décors qui coulissent, des travellings avants, arrières, latéraux, des caméos de stars déguisées, elles ne sont guère passionnantes ces historiettes, frisant la facilité et l'anecdotique. On perçoit le creux de l'ensemble et le temps commence à devenir long, surtout que bien vite les effets se répètent jusqu'à la nausée ( de l'oeil). 

Wes Anderson a situé son film en France dans la ville imaginaire de Ennui-sur-Blasé. Il est peut-être facile de dire que cela résume bien l'ensemble, mais hélas, tellement proche du ressenti spectateur qui passe de l'émerveillement à l'ennui en même pas deux heures ! Une prouesse ? 

L'enterrement de Serge de Stéphane Carlier

 

Quand on cherche un roman de détente, le mot "enterrement" n'est pas forcément vendeur, même emballé avec quelques fleurs japonisantes autour. La quatrième de couverture du septième opus de Stéphane Carlier précise toutefois : "Cet enterrement-là vous rendra heureux !". Effectivement, les péripéties nombreuses de cette histoire et le happy end final raviront sans doute les amateurs de littérature légère avec de bons sentiments ....de là à nous rendre heureux...c'est un pas que franchit allègrement l'éditeur car ayant un but commercial,  pour le lecteur, c'est peut être moins évident.

Imaginons un instant un lecteur cherchant un moment de détente et qui se plonge dans ce roman. Il aura donc passé outre le décor principal ( église, cercueil, cimetière) . Peut être est-il amateur d'un humour un peu noir ? Il n'en trouvera pas vraiment, mais se plongera au coeur d'une histoire, banale au départ, qui, petit à petit se transformera en une sorte de vaudeville vaguement grivois par moments et qui essaie de jouer l'effet boule de neige ( cette boule lancée du haut de la montagne qui devient gigantesque) avant de terminer dans un déluge de jolis et gentils sentiments sensés réchauffer les coeurs. Ce n'est pas toujours exempt de clichés, de facilités ( surtout vers la fin) mais cela reste agréable à lire si l'on cherche un moment détente simple. 

Sans donner ma bénédiction cinq étoiles à ce roman, il comblera sans doute tous les amateurs de comédie pas vraiment noire et encourageons Stéphane Carlier pour son obstination à écrire des romans sensés nous détendre en souriant, ils sont peu nombreux dans ce créneau là. 

Barbaque de Fabrice Eboué

 Dans la famille comédie française qui inonde les écrans chaque semaine, je demande le fils... qui a plutôt mal tourné ( aux yeux de la norme ) mais qui offre quand même un film sacrément impertinent et revigorant. 

Jusqu'à présent la filmographie de Fabrice Eboué réalisateur ne faisait pas vraiment grimper aux rideaux du 7ème art. Avec "Barbaque" il passe au cran au-dessus avec une comédie grinçante et un peu gore qui arrive, sur l'idée de bouchers endettés se procurant une viande à succès en abattant des véganes, à tenir le temps d'un long-métrage. Si le scénario, certes habile, emprunte les chemins habituels des comédies, il est sérieusement mis en valeur par des dialogues assez percutants, flirtant toujours avec un politiquement incorrect très réjouissant et un duo d'acteurs jouant avec délice sur ce fil du rasoir. Marine Foïs arbore une mine gourmande et coquine ( et aussi, moins original, celle plus habituelle de la femme délaissée)  qui fait mouche. Fabrice Eboué lui donne la réplique avec un petit air décalé qui permet de ne pas trop prendre au sérieux cette comédie assez saignante.

Si l'on peut regretter un final moral pas vraiment à l'image du reste du film, pour peu que le côté un peu grand-guignol de l'ensemble ne vous rebute pas, vous savourerez comme il se doit cette "Barbaque" qui se hisse sans problème trois niveaux au-dessus des comédies françaises habituelles ( et quand même coproduite par une chaîne de télévision !). 

La Fracture de Catherine Corsini

 On sera reconnaissant à Catherine Corsini de vouloir témoigner de l'histoire récente et de s'intéresser aux nombreux malaises de notre pays. Les réalisateurs se coltinant cette réalité sont trop rares et méritent d'être encouragés. 

Dans "la fracture", se bousculent beaucoup de thèmes, d'idées principales et d'autres plus périphériques ou suggérées. En premier lieu, la réalisatrice dresse un portrait effrayant de l'état de notre hôpital public et plus principalement de ses urgences. A cela, elle greffe, le combat des gilets jaunes, les violences policières, le calvaire du personnel soignant mais aussi le manque de prise en charge des maladies psychiatriques tout en mettant en avant un couple lesbien et son quotidien presque ordinaire. C'est beaucoup, sans doute trop pour un même film. 

Si le couple vedette féminin ( Marina Foïs et Valeria Bruni-Tedeschi) est absolument formidable ( et hilarant ), parfait contrepoint à une réalité bien dure, on pourra regretter un traitement parfois approximatif et cliché de certains personnages ( celui notamment du gilet jaune incarné par Pio Marmaï) ainsi qu'une prise d'otage superflue, n'apportant rien de bien intéressant au film, le rendant soudain un peu too much. 

Car trop, c'est trop ! On a apprécié la réalisation toute en énergie, quasi documentaire de ce huis-clos, l'évidente douceur et compréhension de l'infirmière ( magnifiquement interprétée par Aïssatou Diallo-Sagna) , le ping-pong verbal décalé et très bobo de nos lesbiennes mais cette accumulation d'histoires et de faits divers et variés, ce décor trop délabré ( en fait une vieille unité d'hôpital désaffectée a servi pour le tournage et semble n'avoir guère était modifiée alors que même les urgences d'un petit hôpital en région est plus pimpant)   finit par donner l'impression que Catherine Corsini en fait un peu trop et du coup est moins convaincante qu'annoncée. 
Cependant, malgré ces réserves, le film est plus réussi que les dernières réalisations de l'auteure, plus pêchu, bien interprété, c'est déjà ça...